خلاصه از زندگی

در خلاصه زندگی نامه پیکاسو اینگونه آمده است که پیکاسو در ۲۵ اکتبر سال ۱۸۸۱ در مالاگا،

شهری در اسپانیا به دنیا آمد.

او فرزند یک نقاش تحصیل کرده به نام جوز روئیزبلنکو و ماریاپیکاسو بود

که از سال ۱۹۰۱ نام خود را به نام خانوادگی مادرش تغییر می‌ دهد.

پابلو پیکاسو از همان دوران کودکی به نقاشی علاقه پیدا می‌ کند و از ده سالگی نزد پدرش که معلم یک آموزشگاه هنری بود.

اصول اولیهٔ نقاشی را فراگرفت و دوستانش را با کشیدن نقاشی بدون بلند کردن قلم یا نگاه کردن به کاغذ سرگرم می‌ ساخت.

در سال ۱۸۹۵ به همراه خانواده به بارسلونا تغییر مکان دادند و پابلو پیکاسو در آنجا در آکادمی هنرهای عالی به نام لالنجا به تحصیل مشغول شد.

در اوایل کارش، دیدار او از مکان ها و گروه‌ های مختلف هنری تا سال ۱۸۹۹ در پیشرفت هنریش بسیار تأثیرگذار بود. در سال ۱۹۰۰ میلادی اولین نمایشگاه پابلو پیکاسو در بارسلونا تشکیل شد.

در پاییز همان سال به پاریس رفت تا در آنجا مطالعاتی در ابتدای قرن جدید داشته باشد و در آوریل ۱۹۰۴ در پاریس اقامت کرد و در آنجا به وسیلهٔ آثار امپرسیونیست خود به شهرت رسید

هنرمند اثر گذار

پابلو پیکاسو به عنوان یک هنرمند اثر گذار قرن بیستم، شخصیتی خلاق داشت که در طی ۹۲ سال زندگی‌اش دائماً در حال جستجوگری و تجربه بود.

او نه تنها در زمینه هنرهای مختلف که در زمینه نویسندگی نیز دستی داشت.

کارهای او از ناتورالیسم دوران کودکی تا کوبیسم، سوررئالیسم و فراتر از آن، روند پختگی را طی کردند.

پیکاسو مسیر هنر مدرن و معاصر را شکل داد.

او شاهد هر دو جنگ جهانی بود و در طول عمرش صاحب چهار فرزند شد.

این هنرمند متولد اسپانیا قبل از سن پنجاه سالگی به عنوان یک هنرمند، شهرت همه گیر پیدا کرد.

شهرت این نقاش بیشتر به دلیل آثار متفاوت و خلاقیت خاص وی بود.

به واقع در دنیای هنر مدرن کمتر هنرمندی را می توان سراغ گرفت که

به مانند وی توجه منتقدان را جلب نموده و جامعه هنر را دستخوش تغییر و تحول کرده باشد.

بیو گرافی و سرگذشت کامل پیکاسو

در شهر مالاگای اسپانیا به دنیا آمد، پدر او دن خوزه روتسی بلاسکو و مادرش ماریا پیکاسو لوپز نام داشتند.

نام اصلی وی پابلو روتسی وای پیکاسو می باشد، نام های طولانی که مشتق از نام پدر و مادر می باشد در سنت آندلوسی امری مرسوم است.

پدرش نقاش و مدرس هنر بود و تاثیر زیادی بر روی طراحی های پسر خود در سالهای ابتدایی زندگی وی گذاشت.

در برخی یادداشتها از قول مادر وی نقل شده که اولین جمله ای که پابلو بر زبان آورد این بود که «من یک مداد می خواهم».

در سن هفت سالگی وی مبانی پایه هنر و طراحی را از پدر خود فرا گرفت.

به دلیل گرایش هنری سنتی، پدر پابلو بر این اعتقاد بود که برای یادگیری طراحی،

کپی کردن آثار اساتید قدیم و طراحی از روی مدل زنده انسان و مجسمه های فیگوراتیو برای فرزند هنر آموزش بسیار مفید می باشد.

در سال ۱۹۸۱ و در سن ده سالگی، خانواده اش به شهر کرونا نقل مکان کردند. جایی که پدر وی در یک مدرسه هنر، سمت استادی را دریافت کرده بود.

آنها چهار سال را در این شهر سپری کردند. در این دوره پدر با توانایی هنری و تدریس هنری که داشت

دریافت که پسرش در سن سیزده سالگی از وی پیشی گرفته است و دیگر چیزی برای عرضه کردن به پسرش ندارد.

در سالهای آینده تاثیر آموزشهای پدر در کار پابلو کاملا مشهود شد و آموزش تکنیکهایی که از پدر فراگرفته بود به او کمک شایانی کرد.

پابلو و خانواده اش دوران بسیار وحشتناکی را در پی مرگ خواهر هفت ساله وی بر اثر دیفتری سپری کردند.

بارسلونا

آنها به بارسلونا نقل مکان نموده و پدر وی در یک مدرسه هنرهای زیبا در این شهر مشغول به کار شد.

قاعدتا شهر بارسلونا نسبت به مکانهایی که در گذشته وی در آنها به یادگیری هنر پرداخته بود از سطح بالاتری از امکانات برخوردار بود.

پدر وی تلاش بسیاری در جهت متقاعد کردن مسئولان هنری شهر برای گرفتن امتحان ورودی از پابلو برای دوره آموزشی پیشرفته کرد.

یکاسوی جوان به راحتی امتحان را از سر گذرانده و شروع به یادگیری نقاشی و طراحی در سطح پیشرفته نمود. در سن شانزده سالگی وی را به مشهورترین مدرسه هنری اسپانیا در مادرید «آکادمی سلطنتی سن فرناندو» فرستادند.

اما آموزشها و درورس این آکادمی رضایت او را جلب نکرد و خیلی زود رفتن به کلاسها را متوقف و شروع به گشتن در شهر مادرید و بازدید و مطالعه آثار فرانسیس گویا و ال گرکو کرد.

بدنه و ساختار کلی

بدنه و ساختار کلی آثار وی تقریبا در دوران بچگی اش شکل گرفت و تا زمان مرگ در آثار او نمایان بود و در بسیاری از آثار خلق شده توسط وی میتوان رد پایی از دوران کودکی و نوجوانی وی را مشاهده نمود.

از نظر این خصیصه و ویژگی، شاید بتوان این هنرمند را در درجه اول، نسبت به هنرمندان دیگر قرار داد. اگر به آثار ابتدایی وی نگاه کنیم خواهیم دید که خطوط بچه گانه ای که در ابتدا در کارهای او قابل مشاهده بوده ناپدید شده اند.

به عقیده منتقدین هنری این قسمت نقطه آغاز آثار حرفه ای پیکاسو می باشد.

گفتن این جمله دلیل بر نقض جمله قبلی در مورد علائم کودکی در کارهای وی نیست بلکه منظور به پختگی و به تکامل رسیدن طراحی های او می باشد و منظور از «حذف خطوط بچه گانه»، ناپدید شدن خطوط ضعیف و ناپخته در آثار کودکی میباشد.

در حدود سن چهارده سالگی وی پرتره عمه پِپا را به تصویر کشید که به عقیده بسیاری از هنر شناسان یکی از بهترین پرتره های خلق شده در آن دوران در سراسر اروپا می باشد.

اولین موفقیت

در سال ۱۸۹۷ و در سن شانزده سالگی وی برنده جایزه دانش و خیریه شد.

تکنیک رئال وی بسیار تحت تاثیر آموزشهای پدر و آموخته های او در سنین کودکی بود.

اما گفتن این نکته مهم است که او بسیار تحت تاثیر سمبلیسم ها نیز قرار گرفت.

همین امر باعث توجه اش به هنر مدرن شده و اولین تصمیمات وی در جهت مسافرت به پاریس را باعث شد.

در پاریس دوست شاعر وی، مکس جیکوب شروع به آموزش فرانسوی به پیکاسو کرد، پابلو در طول این مدت به واقع مفهوم فقر، گرسنگی و سرما را درک کرد. او آثار خود را برای گرم شدن در آپارتمان می سوزاند.

وی در اقامت طولانی خود در پاریس با تعدادی از بزرگترین نقاشان و هنرمندان قرن وارد رابطه دوستی شد.

هنرمندانی مانند آمادئو مودیلیانی و مارک شاگال جزو این دسته بودند.

وی همینطور با شاعر مشهور فرانسوی گیوم آپولینر نیز دوست بود.

این دوستی برای پابلو دردسر ساز شد، چراکه وی یکی از مظنونین سرقت تابلوی لبخند ژوکوند در سال ۱۹۱۱ بود،

و این امر باعث شد که پیکاسو نیز در لیست مظنونین قرار گیرد.

آنها مدتی را نیز تحت بازجویی قرار گرفتند.

اما به دلیل نبود مدارک بعد از مدتی آزاد شدند. تابلوی ژکوند نیز دو سال بعد در فلورانس ایتالیا کشف شد. سارق اثر یک طراح دکور ایتالیایی به نام وینچنزو پروجیا بود.

پابلو بیشتر عمر خود را در فرانسه گذراند و در این کشور دوره های هنری خود را خلق کرد.

در دل همین دوره های هنری بود که آثار هنری وی شکل گرفت و کم کم سبک خاص خود را ابداع کرد

و به شهرت جهانی دست یافت. اما در اینجا به بررسی دوره های هنری وی خواهیم پرداخت:

دوره ابی  یا فام

این دوران  از زندگی نامه وی یکی از سخت ترین دوره های هنری پیکاسو می باشد.

فقر و تهی دستی در این دوران و تبعات اجتماعی همین موضوع در زندگی وی،

این دوران را برای او تبدیل به یک دوره بسیار سخت و غم انگیز کرده بود.

آثار وی در این دوره زمانی، متاثر از رنگهای آبی و سبز بود،

اکثر کارهای او مونو کروم و با استفاده از رنگهای سرد میباشد و به ندرت و به صورت تصادفی،

رگه ای از رنگهای گرم در کار وی مشاهده می شود.

از نظر مفهومی آثار وی در این مدت، سوء تغذیه و فقر و فحشا را نشان میدهد که مخصوصا برای بیان آنها،

از پرتره دوستش، کارلوس کاسکماز که دست به خودکشی زد، استفاده میکند.

نقطه اوج این آثار تابلوی «زندگی» می باشد . این اثر که در سال ۱۹۰۳ خلق شد چهره دوست وی در عذاب را نشان می دهد که دست به خودکشی زد،

رنگها و تم این اثر کاملا مربوط به دوره آبی وی می باشد.

دوره  رز یا صورتی

دوره صورتی از سال ۱۹۰۴ تا ۱۹۰۶ طول کشید.

در این زمان سایه‌های صورتی در آثار هنری پیکاسو به چشم می‌خورد و حال و هوای گرم‌تر و شادتری به نسبت نقاشی‌های قبلی به مخاطب انتقال می‌یابد.

از میان موضوعات تکرار شونده این دوره می‌توان به دلقک‌ها و بازیگران سیرک اشاره کرد. یکی از آثاری که به خوبی از این دوره فروش رفت، «پسری با یک پیپ» است.

عناصر هنر بدوی در نقاشی‌های دوره صورتی می‌تواند منعکس کننده تجربه‌های هنرمند با سبک هنری‌اش باشد.

در همین دوره بود که دو کلکسیونر بزرگ آمریکایی به نامهای لئو و گروت اشتاین به کارهای وی علاقمند شده و ارتباط نزدیکی با او برقرار کردند. یکی از مشهورترین پرتره هایی که پیکاسو به تصویر کشیده است پرتره گرترود استاین یا اشتاین می باشد.

تأثیرات هنر آفریقا

پیکاسو در طی دوران زندگی نامه خود در  هنر آفریقا و بدوی خود که از سال ۱۹۰۷ تا ۱۹۰۹ مشغول آن بود، یکی از بهترین و بحث‌برانگیزترین کارهای خود به نام «دوشیزگان آوینیون» را خلق کرد.

این اثر از هنر آفریقا با زاویه‌های تیزش الهام گرفته شد که او آن را در کاخ تروکادرو (Palais de Trocadero) دیده بود. همچنین ماسک آفریقایی «هنری ماتیس» هم تأثیراتی روی او داشت که در کارهایش منعکس می‌شود.

جالب است بدانید که هنری ماتیس جزو کسانی بود که وقتی پیکاسو این اثر را به دایره نزدیکش نشان داد آن را به شدت محکوم کرد.

کوبیسم تحلیلی

سبک کوبیسم در پیکاسو نتیجه تاثیر از بسیاری از آثار هنرمندانی مانند هنری روسو و پل سزان و همینطور آثار هنر قبیله ای آفریقا می باشد و به طور کل می توان گفت اینها از عوامل تاثیر گذار در خلق این سبک توسط وی میباشد.

هنر کوبیسم، استیلایی که هنر رنسانس تا آن زمان بر هنر جهان داشت را از بین برد. در طول این دوران زندگی نامه   ، آثار پیکاسو و براک کاملا بر روی رنگهای طبیعی و خالص متمرکز بود، و همینطور طراحی آثار بر اساس جداسازی آنها و آنالیز کردنشان شکل می گرفت.

به بیان دیگر پس از تجزیه و تحلیل موضوع مورد نظر، آنرا به شکل اشکال هندسی جداگانه درآورده و به تصویر می کشیدند. جنبش کوبیسم تاثیر بسیار مهمی در معرفی هنر مدرن اروپا به سراسر جهان داشت.

در این سبک ترکیب کردن فرمها و به وجود آوردن یک شکل جدید از دل فرمهای مورد نظر از اهمیت خاصی برخوردار می باشد.

رنگ

در این نوع از نقاشی اهمیت زیادی را دارا می باشند، زیرا غنای رنگ باعث حجیم تر به نظر رسیدن شکلها شده و همینطور به حالت دکوراتیو کار نیز غنای خاصی می بخشد.

در این سبک از اشیایی خارج از حوزه نقاشی مانند روزنامه و یا مثلا یک تکه از پاکت تنباکو نیز برای خلق اثر هنری استفاده می گردد، همین امر باعث تولد تکنیک «کلاژ» نیز شد.

همین تکنیک کلاژ در اثر باعث غنای بافت شده و همینطور نوعی جدید از حس نقاشی را در بیننده القاء می نماید. این نوع جدید از رنگ گذاری و فیگورهای هندسی، سبک جدیدی از هنر نقاشی را به جهان عرضه کرد که برای سالها دنیای هنرهای بصری را دستخوش تغییر و تحول نمود.

 

کوبیسم ترکیبی

این دوره از زندگی پیکاسو از سال ۱۹۱۲ تا ۱۹۱۹ طول کشید. کارهای او به سبک کوبیسم ادامه یافتند اما هنرمند فرم جدیدی از هنر، یعنی کلاژ را به مخاطبان معرفی کرد.

او حتی در بسیاری از نقاشی‌های سبک کوبیسمش مانند «دختری با ماندولین» یا «زیبای من» از فرم انسان نیز استفاده کرد. اگر چه تعدادی از دوستان او پاریس را برای جنگیدن در جنگ جهانی اول ترک کردند اما او در طی سال‌های جنگ در استودیوی خود ماند.

پیکاسو که در این زمان عاشق زن دیگری شده بود، رابطه‌اش را با فرناند اولیویه به پایان رساند. پیکاسو و «اوا گوئل» که مدل نقاشی «زنی با گیتار» بود، تا زمان مرگِ اوا در سال ۱۹۱۸ در کنار هم ماندند.

اوا بر اثر ذات‌الریه مرد و کمی بعد پیکاسو با اولین همسر خود «اولگا خوکلووا» آشنا شد که یک بالرین روس بود. آن‌ها سه سال بعد صاحب یک فرزند پسر شدند و اگر چه بعد از آن رابطه‌شان به مشکل بر خورد اما پیکاسو حاضر نبود از او جدا شود، زیرا این جدایی قانونی به معنی از دست دادن نصف دارایی‌اش بود. آن‌ها تا سال ۱۹۵۵ تنها اسماً زوج باقی ماندند.

نئوکلاسیسیسم و سوررئالیسم

این دوره‌ی کاری پیکاسو بین سال‌های ۱۹۱۹ تا ۱۹۲۹ شکل گرفت و شامل یک تغییر بزرگ در سبک هنری او بود.

در طی اولین بازدید او از ایتالیا و پایان جنگ جهانی اول، نقاشی‌های هنرمند شامل کارهای آبرنگی «خوابیدن دهقانان»،

یک بازیابی سبک هنری را منعکس می‌کند و کارهای نئوکلاسیک او تضادی قابل توجه با نقاشی‌های سبک کوبیسمش دارند؛ هر چند به خاطر شکوفایی جنبش سوررئالیسم فرانسه در میانه دهه‌ی ۱۹۲۰، پیکاسو علاقه شدیدش به هنر بدوی را در نقاشی‌های سوررئالش مانند «سه رقصنده» از سر گرفت.

در سال ۱۹۲۷، هنرمند ۴۶ ساله با «ماری ترز والتر» یک دختر ۱۷ ساله اسپانیایی ملاقات کرد. آن دو صاحب دختری به نام مایا شدند و تا سال ۱۹۳۶ زوج باقی ماندند.

دوران آخر(زندگی نامه )

در طی جنگ جهانی دوم، پیکاسو در پاریسِ اشغال شده توسط آلمانی‌ها باقی ماند و در برابر خشونت‌های گشتاپو مقاومت کرد و به خلق آثار هنری‌ خود ادامه داد.

او در این زمان گاه به شاعری می‌پرداخت و به‌طور کل بین‌ سال‌های ۱۹۳۹ تا ۱۹۵۹ بیش از ۳۰۰ اثر خلق کرد.

حتی از این دوران دو نمایش‌نامه هم از او به جای مانده است. بعد از آن که پاریس در سال ۱۹۴۴ آزاد شد، پیکاسو رابطه جدیدی را آغاز کرد و «کلود»،‌ پسرش، حاصل این رابطه بود که در سال ۱۹۴۷ به دنیا آمد و دخترش پالوما نیز دو سال بعد چشم به جهان گشود.

در این دوره او روی مجسمه سازی تمرکز داشت و در یک نمایشگاه بین‌المللی در موزه هنری فیلادلفیا نیز شرکت کرد. در سال ۱۹۶۱ در سن ۷۹ سالگی او با ژاکلین ۲۷ ساله ازدواج کرد و ثابت کرد که این زن یکی از بزرگ‌ترین الهامات حرفه‌ای او بوده است. پیکاسو در طی ۱۷ سال پایان عمرش بیش از ۷۰ پرتره از او کشید.

به مانند هر هنرمند بزرگ دیگری پیکاسو نیز به ایتالیا سفر کرد، سفر او در سال ۱۹۱۷ بود، او در این سفر تاثیرات بسیاری از آثار رافائل گرفت ودر نتیجه توجه به این نقاش به طرف سبک نئوکلاسیک معطوف شد.

مجسمه سازی

کارهای پایانی وی ترکیبی از تمامی سبکهایی بود که در طول زندگی تجربه کرده بود.

وی در این سالها به مجسمه سازی در ابعاد بزرگ پرداخت و همینطور دست به خلق نقاشی هایی با رنگهای بیشتر و احساسی تر زد.

در طول این مدت، وی از الهام گرفتن و تجربه کردن کارهای کلاسیکی که در طول زیست هنری خود آنها را تجربه کرده بود، لذت می برد.

وی در طول این دوره، آثاری را با الهام از اساتید قدیمی مانند فرانسیس گویا، دیگو ولاسکوئز و ادوارد مانه خلق کرد. آثاری مانند کشتار در کُره با الهام از اثر«کشتار» متعلق به فرانسیس گویا، ندیمه ها با الهام از«ندیمه های ولاسکوئز» و «صبحانه بر روی چمنزار» با الهام از کار ادوارد مانه، از مهمترین نمونه های این دسته از آثار پیکاسو می باشند.

 

بسیاری از این آثار همچنان الهام بخش هنرمندان و هنرجویان در سراسر جهان می باشد.

آثار این نقاش حتی در حال حاضر نیز بیانگر غنا و اهمیت هنر مدرن می باشد و همچنان بسیاری از زیبایی شناسان و منتقدان بزرگ هنر به کارهای این نقاش رجوع می کنند.

کارهای متاخر وی همینطور الهام بخش جنبش نئواکسپرسیونیسم در هنر مدرن می باشد. زمانی که پیکاسو در سن ۹۱ سالگی در گذشت یکی از موفق ترین و مشهور ترین هنرمندان دنیا بود.

از نکات قابل توجه و بسیار جالب در مورد این هنرمند این است که وی در هر دو حوزه هنر مدرن و هنر سنتی دارای بصیرت بوده و به زیبایی این دو حوزه هنری را با یکدیگر ترکیب می نمود.

وی در طول ۷۸ سال فعالیت هنری ۱۳۵۰۰ نقاشی، ۱۰۰۰۰۰ چاپ دستی و ۳۴۰۰۰ تصویرسازی خلق کرد. وی را در کثرت و کیفیت آثار با ویلیام شکسپیر در ادبیات و زیگموند فروید در روانشناسی مقایسه می نمایند.(زندگی نامه هنرمندان )

گلیم ، معرفی و تاریخچه آن
منبت کاری
کاشی 

از سایر آثار هنری در چکه ها دیدن نمایید .

(۰)

هنر دوره اشکانی

شاهنشاهی اشکانی ( ۲۴۷ پ م . ۲۲۴ م ) که با نام امپراطوری پارت‌ ها نیز شناخته می‌شود ،

یکی از بزرگترین قلمرو های فرمانروایی جهان را اداره کردند .

پارت ، محل سکنای پارتیان ، استان خراسان امروزی است .

پایتخت اولیه آن ، شهر صد دروازه در نزدیکی دامغان قرار داشت .

پارت‌ ها با تکیه بر روحیه جنگجویی و شجاعت خود و نیز مهارتشان در سوارکاری و تیراندازی

به تدریج به مناطق هم جوار خود حاکم شدند .

اشکانی‌ ها به دلیل تصرفات گسترده‌ شان سه پایتخت داشتند ،

که شامل نیسا ( عشق آباد ترکمنستان ) ، صد دروازه در جنوب دامغان و تیسفون در عراق می‌شد .

زبان رایج آنان پهلوی اشکانی بود ، اما برای تجارت از زبان یونانی استفاده می‌کردند .

اشکانیان پس از اقتدار سیصد سال در حفظ سنت‌های ایران

از جمله رسم‌ الخط ایرانی و رونق تجارت جاده ابریشم تلاش کردند .

مهمترین شهر های اشکانیان

از مهم‌ترین شهر های اشکانی می‌توان به

تخت‌سلیمان ، داراب گرد ، فیروزآباد ، هاترا در میان رودان شمالی و نیسا اشاره کرد .

اشکانیان به دلیل برخورداری از روحیه نظامی تاکید زیادی بر هنر نداشتند ،

اما با کاوش‌های به عمل آمده از نیسا و دورااروپوس آثار مهمی از اشکانیان به دست آمده است .

پارتیان توانستند تداومی را در هنر ایران تامین کنند و بین هنر هخامنشی و هنر ساسانی پلی بزنند .

نگارگری

نگارگری در دوره اشکانیان شامل ، گردش نرم و خطوط آزاد و نقش‌های تخیلی است .

تاثیر برگهای کنگره‌ دار یونانی و الهام‌ گیری از گل‌ ها ، بوته‌ ها ، برگ‌ ها

و میوه‌های درختان به خوبی به چشم می‌خورد .

نگارگران پارتی دسته‌ های پیچک را دو نیم کرده و آن را پشت به پشت هم گذارده

و از مجموع آن عنصری تزیینی به نام عربانه یا اسلیمی شکل گرفت .

در آن شکل‌ های گل و بوته و پرندگان و جانوران به فرمان خطوط گردان تابیده می‌سپردند

و نقش‌ مایه هندسی و گاه انتزاعی به وجود می‌آوردند .

هنر دوره اشکانی
برگی از کتاب ارژنگ مانی

معماری

دوره اشکانی یکی از مهم‌ ترین دوران تاریخ معماری و شهرسازی ایران است .

در این دوره شهر سازی در ایران اجرا شد و شهرهای زیادی ساخته و یا دوباره بازسازی و مرمت شده است .

معماری این دوره وارث سنت‌‌ های گوناگونی همانند

سنت‌ های کهن آسیای مرکزی ، ویژگی معماری داخلی فلات ایران ،

از سوی دیگر سنت‌ های رایج معماری یونانی و فتح بین‌النهرین بر این تنوع افزوده شد

و طرح و نقشه شهر ها شطرنجی و در بعضی شهر ها به اجرا درآمده است .

از مهم‌ترین دستاورد های هنر اشکانی ،

معماری و شهرسازی دایره‌ای و ابداع ایوان گنبد ، قوس و طاق گهواره‌ ای به شمار می‌رود .

اشکانیان با آگاهی به برتری شهر های دایره‌ ای

که دفاع و حراست از آن آسان‌ تر از طرح‌های مستطیل شکل است ،

این سبک شهر سازی را پذیرفت .

خانه های دوران اشکانی

ساخت خانه‌ ها در این دوره با حیاط مرکزی و گاها دو طبقه بودند .

مهم‌ترین بخش خانه در ضلع جنوبی حیاط واقع شده و سقف خانه‌ها مسطح بوده

و از طاق‌ های ضربی برای پوشش سقف اتاق‌ها استفاده می‌کردند .

همچنین دسترسی به پشت بام از طریق پلکانی واقع در حیاط امکان‌پذیر بود .

برای ساختن بناها از مصالح آجر ، خشت با ملات گچ استفاده شده است .

از پدیده‌ های نوظهور دوره پارتیان استفاده از گچ برای اولین بار در تزیینات بوده است .

در این دوره استفاده از گچ جای خود را در معماری باز کرد و گچبری رونق یافت .

هنر دوره اشکانی
کاخ فیروز آباد

آثار تاریخی و نمای داخلی ساختمان های اشکانی

از آثار این دوره قلعه یزدگرد ، کاخ آشور ، کاخ کیش ، معبد شمش و کوه خواجه می توان اشاره کرد .

گچبری در این دوره با استفاده از

ملاط گچ آمیخته با خاک مرمر با اسلوب کنده‌کاری و قالب‌ گیری اجرا گردیده ،

که در این شیوه‌ ها رنگ‌ آمیزی معمول بوده است .

تزیینات رنگی نقوش هندسی و گیاهی و نقاشی حیوانات

و انسان‌ ها بر روی گچ از کوه خواجه به دست آمده است .

علاوه بر رنگ‌ آمیزی با ایجاد تضاد رنگی بین طرح و زمینه

در اسلوب قالب‌ گیری مبادرت به برجسته‌ نمایی بیشتر طرح‌ ها می‌کردند .

از ویژگی بارز هنر اشکانی چهره‌ سازی واقع‌ گرا و تمام‌ رخ

و استفاده از نقش‌ مایه‌ های معماری در قالب ترکیب‌ بندی‌ ها و استفاده مکرر از نقوش است .

بناهای دوره اشکانی در نمای بیرون با روش یونانی و در بخش داخلی شیوه‌ ی شرقی و ایرانی است .

تنوع استفاده از مواد و مصالح یکی از ویژگی‌ های معماری دوره اشکانی است ،

که این موضوع سبب پدید آمدن سبک‌ ها و سنت‌ های گوناگون در این دوره شده است .

فلز

ظروف فلزی عصر اشکانی به شیوه تلفیقی ساخته شده

به گونه‌ ای که شکل جام‌ ها و ساغر ها از تکوک‌ های هخامنشی تقلید شده ،

اما تزیینات آنها به شیوه یونانی بوده و با عناصر هنر اشکانی کامل شده است .

همچنین فنون فلزکاری این دوره را می‌توان

در ساخت پیکره‌ های مفرغی که همزمان با پیکره‌های سنگی رواج داشته مشاهده نمود .

پیکره‌ های کشف شده نشان از فن ریخته‌ گری و مهارت مفرغ‌ کاران اشکانی است

و دقت بالای آن در واقع‌ نمایی در چهره و پوشاک را نشان می‌دهد .

نمونه این مجسمه‌ ها مفرغی از گور های شمی در نزدیکی مال امیر در خوزستان پیدا شده ،

که احتمالا یکی از آنها مجسمه فرماندهان ایلامی است .

از دیگر آثار دو کاسه نقش برجسته است .

یکی از عوامل رشد فلزکاری در این عصر ضرب سکه و جواهرات و تزیین لباس است .

هنر دوره اشکانی
ریتون فلزی اشکانی

سفال

در دوره اشکانی صنعت لعاب‌ دهی در سفال رونق یافت

و به خصوص استفاده از لعاب یکرنگ برای پوشش داخلی و سطوح خارجی ظروف سفالین معمول گردید .

قشر ضخیمی از لعاب بر روی تابوت‌های سفالی استفاده شده

و رنگ این لعاب‌ ها سبز روشن تا آبی فیروزه‌ ای رنگ است .

سفالینه‌ های اشکانی به دلیل کاربرد روزمره و استفاده مردم عادی کمتر جنبه هنری داشت .

سفالگری در این دوره در نواحی مختلف بین‌ النهرین مانند سامرا ، تیسفون و بابل شناخته می‌شود .

هنر دوره اشکانی
ریتون سفالی اشکانی

پارچه بافی

اشکانیان از سمت مشرق وارد ایران شدند و پس از براندازی دولت سلوکی امپراطوری وسیعی را به وجود آوردند .

اشکانیان در طول پادشاهی خود به تدریج نفوذ هنر یونانی را محو کرده

و ویژگی‌های هنر و تمدن هخامنشیان را احیا نمودند .

طبق بررسی باستان‌شناسان شکل لباس‌های رایج این دوره یقه گرد است

و در ناحیه جلوی گردن لباس ، شکافی رو به پایین وجود دارد .

به طور کلی می‌توان گفت اشکانیان به لباس‌ های مادی ملبس بودند

و برای تزیین حاشیه‌ ها از قلاب‌ دوزی استفاده می‌کردند .

هنر دوره اشکانی
پارچه دوران اشکانی

نقاشی و موسیقی

دوره اشکانی تجلی نقاشی دیواری است ، که توانست نقش مهمی در تزیینات معماری این عهد ایفا کند .

مهم‌ ترین مراکز این هنر کوه‌ خواجه در سیستان و منطقه دورااروپوس در سوریه کنونی بوده است .

این نقاشی‌ ها دارای طرح‌ های ساده و تزیینی نقش

گیاهان ، جانوران و انسان با حرکت‌های آزاد را در بر می‌گیرد .

طرح‌ ها با استفاده از رنگ تخت و قلم‌گیری و نقوش خاص ایرانی

چون گل نیلوفر، برگ کنگر و … اجرا شده‌ اند .

اشکانیان علاقه به موسیقی در میادین جنگ داشتند ،

این سازها شامل، شیپور ، کرنا ، سنج‌ های برنجی و دهل‌ های چرمی استفاده می‌کردند

و در مجالس شادی از ساز های بادی همراه نی و سنتور می‌نواختند .

هنر اشکانی میراثی است ، که همراه با دیگر جنبه‌های فرهنگی این عصر

به دوره‌ های بعد به ویژه ساسانیان انتقال یافت و توانست با شکوه و عظمت هنر ساسانی فراگیرتر شود .

بسته بندی صنایع دستی
پته دوزی چیست و چه کاربردهایی دارد
صنایع دستی برتر ایران 

لطفا نظرات خود را در رابطه با هنر و صنایع دستی دوران اشکانی با ما در میان بگذارید

از سایر آثار هنری در چکه ها دیدن نمایید .

 

(۲)

هنر

هنر ایرانی یکی از غنی‌ترین میراث‌های هنری در تاریخ جهان است و

نقش بسزایی در رشد و شناخته شدن درهنر های هفت گانه در جهان داراست.

هنر مجموعه‌ای از آثار یا فرایندهای ساخت انسان است ،

که در جهت اثرگذاری بر عواطف، احساسات و هوش انسانی ،

یا به‌ منظور انتقال یک معنا یا مفهوم خلق می‌شوند.

همچنین می‌توان گفت هنر توان و مهارت خلق زیبایی است.

از مهم‌ترین رشته‌های هنری می‌توان به هنر های تجسمی (نقاشی ،طراحی ، تندیس گری ، عکاسی و چاپ)،

هنر نمایشی  (تئاتر و رقص)، موسیقی،

ادبیات (شعر ،داستان)، سینما و معماری  اشاره کرد.

واژهٔ هنر در زبان سانسکریت، ترکیبی از دو کلمهٔ «سو» به‌ معنی نیک و «نر» یا «نره» به‌معنای زن و مرد است.

در زبان اوستایی  «س» به «ه» تبدیل شده و واژهٔ «هون» ایجاد گشته‌ است .

که در زبان پهلوی  یا فارسی میانه به شکل امروزی (هنر) در آمده‌ است که به‌ معنای انسان کامل و فرزانه است.

دانشنا مه بریتانکا

هنر را به‌ عنوان «استفاده از توانایی و تخیل در خلق آثار زیبا،

حیطی یا تجاربی که می‌توان با دیگران تقسیم شود» تعریف می‌کند.

در یک طبقه‌بندی جدید بر اساس کتاب استراتژی بازاریابی هنر از مهدی خادمی :

می‌توانیم تعاریف هنر را به دو دسته کارکردی و رویه ای تقسیم‌بندی کنیم.

کارکردی ها عنوان می‌کنند که هنر برای تحویل یک هدف طراحی شده ‌است

و چیزی هنر محسوب می‌شود که بتواند دارنده آن را در راه دست یابی به هدف کمک نماید

و وظیفه آن فراهم کردن تجربه‌های زیبایی شناختی لذت بخش است.

در مقابل رویه گرایان عنوان می‌کنند چیزی به عنوان اثر هنری محسوب می‌شود که بر طبق فرمول یا فرآیندی مناسب ساخته شده باشد؛

صرف نظر از این که هنر چه هدف و مقصودی دارد،

هنر می‌تواند در ابتدا کارکردی باشد اما در نهایت به صورت رویه ای عمل کند.

مانرو بریسیدی (۱۹۸۲) یک تعریف کارکردی از هنر ارائه می‌دهد:

«اثر هنری

ترکیبی از شرایط مورد نظر است که به منظور ارائه تجربه‌های زیبایی شناختی ارزشمند،

قادر به نشان دادن ویژگی‌های زیبایی شناختی هنر باشد.»

در حالی که کارکردی ها ارزش هنر را وابسته به ماهیت آن می‌دانند،

تعریف رویه گرایان صرفاً توصیفی بوده و مبتنی بر ارزیابی نیست.

از تعاریف رویه ای ارائه شده می‌توان به تعریف دیکی اشاره کرد که یک تعریف سازمانی محسوب می‌شود.

او در درجه اول اثر هنری را به عنوان «اثر تصنعی» و در درجه دوم به عنوان «مجموعه ای از جنبه‌های کلیدی،

که از طرف برخی از نامزدها برای قدردانی از افراد فعال در منظومه هنر اعطا می‌شود» می‌بیند.

در ادبیات ایران در دورهٔ اسلامی  این معنا دوباره دگرگون شد و هنر به معنای ،

دلیری، کمال، فضیلت، هوشیاری، فضل، تقوی، دانش و کیاست و… به کار رفت، که دارای بار معنایی عام بود:

  • به دشمن نمایم هنر هرچه هست * ز مردی و پیروزی و زور دست
  • چون غرض آمد هنر پوشیده شد * صد حجاب از دل به سوی دیده شد
  • با دانش است فخر نه با ثروت و عقار * تنها هنر تفاوت انسان و چهار پاست

از دیوان””پروین اعتصامی “”

هنر هفت گانه

با شنیدن یک موسیقی، چشم ها رو می بندید و به رویا فرو می روید،

و با دیدن یک نقاشی خود را غرق در سیمای یک تصویر در خیال می کنید،

یا حتی با تماشای یک تئاتر یا فیلم سینمایی، یک ایده را در ذهن خود مجسم می سازید.

اما آیا برای شما سوال شده که این واژه بزرگ به نام هنر که طیف های زیادی را در زندگی ما شامل شده اند .

از موسیقی و نقاشی گرفته تا سینما و معماری، براستی به چه معنا هستند،

یا به عبارت بهتر آیا به سراغ درک یکی از مفهومی ترین جنبه های زندگی انسان ها از دیرباز تاکنون پرداخته اید ؟

در این مطلب ما قصد داریم تا شما را با جنبه های مختلف هنری و  نقش هنر ایرانی در تعاریف برخاسته از آنها آشنا سازیم.

هنر به دلیل وسعت زمینه های فعال در آن به زیر شاخه های زیادی تقسیم می شود،

اما یک دسته بندی کلی برای تمامی زمینه های هنری وجود دارد

که به آنها اصطلاحا “هفتگانه های هنر” گفته می شود،

که در این بخش به معرفی و توصیفی جامع از آنها خواهیم پرداخت.

هنر اول : هنر موسیقی

یکی از مهمترین ارکان زندگی امروزه شامل نوایی است ،

که باعث ایجاد ارتباط یا حتی درک مفاهیم نانوشته می شود.

موسیقی از طبیعت گرفته تا ساخته های بشر، به طرق مختلف همیشه در سعی در ساخت ،

فضایی برای هوشیاری و درک هر چه بیشتر موضوعات در زمینه های مختلف شده است.

از این رو تعاریف موسیقی به دو بخش علمی و هنری تقسیم می شود.

با یک تعریف جامع هنری در این زمینه می توان گفت: ”

هنر موسیقی، راوی غرایز و هیجانات و حس درونی و زیبایی آنهاست،

که به صورت روحی درک شده اند و به رشته نت های موسیقی تبدیل می شوند، به عبارت دیگر موسیقی زبان بیان احساسات است.”

اما احساسات زیبا همیشه در منشا خلق این آثار نبوده،

از این جهت با توجه به اینکه حتی بسیاری از بزرگان سعی در معنی موسیقی به عنوان،

یک صرف بیان کننده در احساسات باشد،

این تعریف را ارائه دادند، در صورتی که با گسترده تر شدن این هنر شاهد سبک هایی هستیم ،

که صرفا مفهوم زیبایی را مدنظر ندارند و سعی در ایجاد مفاهیم جدید هستند.

بدین سان تصمیم گرفتیم به دنبال یک مفهوم دقیق تر از این سر رشته بگردیم،

که خوشبختانه پروفسور رابرت گرینبرگ استاد دانشگاه سانفرانسیسکو با

ارائه تعریفی جامع و کامل به درک این موضوع کمک شایانی نمود.

پروفسور گرینبرگ هنر موسیقی را این چنین توصیف می کند: ” هنر موسیقی یعنی، صدا در زمان”

حال می توان گفت با هویت بخشیدن به این هنر به عنوان یک کانسپت جامع که در زمان و مکان و هر فرهنگی قابل درک می باشد،

هم اکنون می توان گفت درک بهتری نسبت به فهم آن و ایجاد بستری برای رشد آن پیدا کرده ایم.

اما موسیقی ایرانی در هنر اول

موسیقی سنتی ایرانی شامل دستگاه‌ها، نغمه‌ها، و آوازها، از هزاران سال پیش از میلاد مسیح تا به امروز سینه به سینه در متن مردم ایران جریان داشته،

و آنچه دل‌نشین‌تر، ساده‌تر و قابل‌فهم تر بوده‌است امروز در دسترس است، بخش بزرگی از آسیای میانه، افغانستان، پاکستان، جمهوری آذربایجان، ارمنستان، ترکیه، و یونان متأثر از این موسیقی است .

و هرکدام به سهم خود تأثیراتی در شکل گیری این موسیقی داشته‌اند، از موسیقی‌دان‌ها یا به عبارتی نوازندگان موسیقی در ایران باستان می‌توان به «باربد» و «نکیسا» اشاره کرد.

Two clown musicians and a pretty juggler. Circus Roncalli. Munich, Germany

هنر دوم : هنر حرکات نمایشی

هنر نمایشی که تولد خود را در سده ۱۷ ام در بریتانیا شروع کرد،

به معنای نشان دادن یک داستان یا مفهوم از دیدی حرکات فیزیک می باشد که می تواند به صورت فردی یا گروهی صورت پذیرد.

ابن شکل از هنر با ایجاد سبکی با تحرک زیاد سعی در خلق ارتباطی تنگاتنگ بین جسم و روح مخاطبان است،

که بعضا با واکنش های فیزیکی آنها یا ایجاد اشتیاق برای داشتن حرکات فیزیکی مشابه زمینه را فراهم می سازد.

هنر نمایشی به دسته بندی های که در ادامه می پردازیم تقسیم می شوند.

۱٫رقص

ایجاد رقص های روحانی یا اجتماعی را که با حرکت فیزیکی بدن همراه است را می توان تعریفی ساده از رقص نامید.

رقص به انواع مختلفی همچون: رقص باله، رقص آیینی، رقص بالروم، رقص فولکور تقسیم نمود.

۲٫اُپرا

یکی از بهترین تلفیق های سبک تصویرسازی داستانی به همراه موسیقی زنده را می توان ،

سبک اُپرا نامید، که با فن ادبیاتی، بازیگری و طراحی دکور و کارگردانی خود به یکی از مهمترین تصویرهای موسیقی زنده بدل شده است.

۳٫سیرک

در اواسط قرن ۱۷ در حوزه سرزمین های غرب اروپا و در میان اراضی تحت سلطه رومیان، نوعی نمایش به معرض ظهور رسیده بود که به “سیرک” معروف شد.

سیرک، در واقع هنر ایجاد حرکات نمایشی مهیج و همراهی حیوانات با اینگونه از نمایشات است.

در نمایش های سیرک، اسب دوانی، حرکات آکروباتیک، دلقک ها، شعبده بازی و تردستی و

حرکات نمایشی با استفاده از حیوانات رام شده و دست آموز وجود دارد، که به طرق مختلف انجام می گیرد.

گونه‌های متفاوتی از رقص در میان ایرانیان مرسوم است،

از جمله آنها می‌توان به رقص های آیینی ،  رقص های محلی  و رقص سنتی  اشاره کرد.

 

 

هنر سوم : هنرهای ترسیمی

هنر ترسیمی، با ایجاد نگاره های مختلف از طریق به تصویر کشیدن زوایای مختلف یک موضوع واحد یا در بعضی موارد تلفیق موضوعات با یکدیگر، مفهوم خود را به مخاطب القا می کند.

هنر ترسیمی را به عبارت دیگر با عنوان هنرهای بصری یا هنرهای دیداری نیز می شناسند.

هنر نقاشی، خوشنویسی، مجسمه سازی، طراحی، عکاسی، گرافیک، کلاژ، عکاسی و خطاطی همچنین ،

هنرهایی که در رسته ای از این قالبها خود را جای می دهند را، می توان به عنوان یک هنر ترسیمی تلقی نمود.

هنرمند در هنر ترسیمی در تلاش است، با استفاده از ابزار هنری و رسم، که فرمی دیگر از هنرهای تجسمی نیز محسوب می شود، مفهوم مورد نظر خود را به مخاطب بیان کند.

درباره هنر بصری ایرانی در این هنر می توان گفت

در قرن ۶ و ۷ قبل از مسیح بدلیل مهاجرت انبوه نژادهای متفاوت به فلات ایران مانند سیتل , اوراتوس , مانیل , کاستیس , مادها و پارس.

و در نهایت ایجاد امپراطوری هخامنشی و بدلیل سازمان دهی مرکزی ایران به دوران تاریخی وارد شد.

از این زمان به بعد مطالعات بصورت زمان بندی شده و طبقه بندی نگهداری شده اند.

کتیبه های با دست خط های سه زبان , پارسی – ایلامی و آکادی از دوره هخامنشی بجای مانده و مدارک ارزشمندی شکوه عظمت ایرانی را نشان می دهند.

دوره های هنر بصری ایران به صورت زیر خلاصه می شود.

هخامنشی ۵۵۰ -۳۵۰ قبل از مسیح: کارهای ارزشمندی در معماری و سایر هنرها در دوران هخامنشی ایجاد شد.

فرمانروایی هخامنشیان بعد از اشغال ایران توسط اسکندر مقدونی منقرض شد.

سلوکیان , پارتیان ها (۳۱۲ -۹۱ قبل از مسیح): اولین سلجوقی پادشاهی سلوکیان را تأسیس کرده بعد از شکست سلوکیان , فرهاد دوم (۱۲۹ قبل از میلاد) امپراطوری پارتیان را تأسیس کرد و این سلسله تا ۲۲۴ میلادی وجود داشت.

ساسانیان ۶۴۲ – ۲۲۴ میلادی : بسیاری آثار ارزشمند و گوناگون از این عصر به جای مانده .

که در تاریخ هنر ایران جایگاه بخصوصی دارد. انقراض آخرین پادشاه ساسانی (یزدگرد سوم) توسط هجوم عربها پایان این عصر و آغاز تاریخ جدیدی برای ایران بود.

اسلام آغازین (۱۰۰۰- ۶۵۱ میلادی): داستان هنر در سال های عصر اسلام قابل توجه می باشد.

پس از سایر دوره های تاریخی , هنر اسلامی به نقطه اوج خود رسید:

این سال ها عبارتند از :

عصر سلجوقیان ۱۱۵۷ – ۱۰۰۰ میلادی عصر مغول ها ۱۵۰۲ – ۱۳۷۰ عصر صفویان ۱۷۷۲ -۱۴۹۱ و دوره جدید از سال ۱۷۷۲ میلادی .

تاکنون هنرهای برجسته ایرانی فرش قدیمی‌ترین نمونهٔ قالی ایرانی که یافته شده قالیچه‌ای است با نقوش اصیل هخامنشی که در گور یخ‌زدهٔ یکی از فرمانروایان سکایی در درهٔ پازیریک در ۸۰ کیلومتری مغولستان بیرونی پیدا شده و قالی پازیریک نامیده می‌شود.

پژوهشگران این قالی را از دست‌ بافت‌های پارت‌ها و یا مادها می‌دانند.

قالی ایرانی از دیرباز معروف و مورد استفاده بوده. گزنفون تاریخ‌نگار یونانی در کتاب سیرت کوروش می‌نویسد:

«ایرانیان برای این‌ که بسترشان نرم باشد قالیچه زیر بستر خود می‌گسترند.

نگارگری ایرانی نگارگری ایرانی که مینیاتور نیز خوانده می‌شود شامل آثاری از دوره‌های مختلف تاریخ ایران است .

که بیشتر به صورت مصورسازی کتب ادبی (ورقه و گل شاه، کلیله و دمنه، سمک عیار، و…)، علمی و فنی (التریاق، الادویه المفرده، الاغانی، و…)،

تاریخی (جامع التواریخ، و…)، و همچنین، برخی کتب مذهبی، همچون، خاوران نامه می‌باشد.

سفال و سرامیک سفالگری

یا کوزه گری ایرانی سابقه طولانی در تاریخ ایران دارد.

سفالگری یکی از اولین و مهم ترین اختراع‌های ساخته شده توسط انسان است.

برای مورخان و باستان شناسان از مهم ترین مظاهر هنری است.

باستان شناسان از راه سفالگری با شرایط اجتماعی و اقتصادی یک دوره یا یک منطقه آشنا می‌شوند.

با مطالعه سفال‌ها در مورد زندگی، دین مردم و تاریخ٬روابط اجتماعی و نگرش جامعه را نسبت به همسایگان تفسیر می‌کنند .

ساخت سفال در ایران دارای سابقه طولانی و درخشان است.

با توجه به موقعیت جغرافیایی خاصی کشور ایران، که در محل تقاطع تمدن‌های باستانی و در مسیرهای کاروان‌های مهم واقع است،

تقریباً در هر بخشی از ایران، در زمان‌های مختلف درگیر ساخت سفال بوده‌اند.

با این حال، حفاری‌های اخیر و تحقیقات باستان شناسی نشان داد که چهار منطقه عمده در تولید سفال در فلات ایران وجود دارد که شامل بخش نسخت شامل

غرب کوه‌های زاکرس و نواحی لرستان است٬بخش دوم شامل نواحی جنوب دریای خزر که استان‌های گیلان و مازندران را در بر می‌گیرد.

این دو منطقه نخستین نواحی در فلات ایران بوده‌اند که سفالگری را آغاز نموده‌اند.

خش سوم شامل شمال غرب کشور و نواحی آذربایجان را شامل می‌شود .

بخش چهارم در جنوب شرقی است که و استان‌های کرمان و استان سیستان و بلوچستان را شامل می‌شود .

افزون بر این ۴ منطقه نواحی کویری ایران را نیز می‌توان به ان اضافه کرد که قدمت ساخت سفال در ۸ هزاره پیش از میلاد بر می‌گردد.

هنر چهارم : هنرهای تجسمی

هنرهای تجسمی را می توان، هنری وابسته به حس بصری دانست که مخاطب را با توجه به این ویژگی، تحت تاثیر قرار می دهد.

از هنرهای تجسمی با نام هایی دیگر همچون هنرهای بصری یا هنرهای دیداری نیز یاد می شود.

هنرهای تجسمی را می توان به عنوان خط الرسمی برای زمینه های معماری، دکوراسیون، مجسمه سازی، کاریکاتور، طراحی لباس، شیشه گری، صنایع دستی و بسیار از هنرهای دیگر، از آن یاد کرد.

هنرهای تجسمی را به سبب گستردگی قلمرو آن در هنر،

به عنوان یکی از مهمترین ارکان هنری محسوب می شود که، موقعیت های مختلف به اصطلاح “نقاط” را در یک مجموعه و اتصال آنها به بهترین شکل ممکن به تصویر می کشد.

از اتصال نقاط به یکدیگر و ایجاد اشکال و ترکیب آنها به بهترین نحو ممکن به عنوان “تناسب طلایی” نیز یاد می شود.

نقش هنری ایرانی در هنر چهارم

طراحی محیط معماری ایران دارای ویژگی‌هایی است که در مقایسه با معماری کشورهای دیگر جهان از ارزش هایی ویژه برخوردار است.

ویژگی‌هایی چون طراحی مناسب، محاسبات دقیق، انواع سازه، فرم درست پوشش، رعایت مسائل فنی و علمی در ساختمان، ایوانهای رفیع،

ستونهای بلند و بالاخره تزئینات گوناگون که هریک در عین سادگی معرف شکوه معماری ایران است.

سابقه معماری ایران به حدود هزاره هفتم قبل از میلاد می‌رسد.

معماری ایرانی همچنین ویژگی های منحصر به فرد در بعضی زمینه ها دارد که باعث معرفی دستاورد های جدید به دنیای معماری شد.

از جمله: فضا سازی های خاص مانند ایوان، گنبد خانه، حیاط ایرانی و..

سازه های پیشرفته مانند انواع قوس های دو و سه مرکزی، انواع گنبد، انواع گوشه سازی و … کاربری هایی ویژه مانند باغ مفاهیم ویژه با تعاریفی متفاوت مانند:

تزئینات هندسی، درون گرایی، برون گرایی، الگو واره های طراحی و … معماری هخامنشیان به دست‌آوردهای ایرانیان هخامنشی در ساخت شهرهای دیدنی و جذاب (تخت جمشید، شوش، هگمتانه)،

معابد برای عبادت و گردهمایی‌های اجتماعی (مانند معابد زرتشتی) و آرامگاه پادشاهان گذشته (مانند آرامگاه کورش بزرگ) اشاره دارد.

از ویژگی‌های

بنیادین این معماری می‌توان به ترکیب خود با عناصر مادها، آشوری، یونانی و آسیایی اشاره کرد.

میراث معماری هخامنشی با گسترش امپراتوری در حدود ۵۵۰ پیش از میلاد، شروع شد.

با ظهور دومین امپراتوری ایرانی یعنی امپراتوری ساسانی (۲۲۴-۶۲۴ میلادی) سنت‌های هخامنشی با ساخت .

معابد مخصوص آتش و قصرهای عظیم دوباره زنده شد.

اغ ایرانی باغ ایرانی به ساختار و طراحی منحصر به فرد آن اشاره دارد. باغ ایرانی پاسارگاد را ریشهٔ معماری این باغ‌ها دانسته‌اند.

کوروش بزرگ شخصاً دستور داده بود که باغ پاسارگاد چگونه ایجاد شود و درخت‌ها نیز به چه شکل کاشته شوند

و در واقع هندسی‌سازی باغ و شکل و شمایل آن از دیدگاه که کوروش به باغ ایرانی گرفته شده‌است.

در دورهٔ ساسانیان نیز باغ‌ها در جلوی کاخ‌ها و معابد شکل گرفتند و این موضوع در دورهٔ اسلامی نیز ادامه یافت.

این باغ‌ها عنوان یک ساختار کامل، بیانگر رابطهٔ تنگاتنگ میان بستر فرهنگی و طبیعی است و نشانه‌ای از سازگار نمودن و همسو کردن نیازهای انسان و طبیعت است.

در گذشته باغ ایرانی بروز توان نهفتهٔ محیط و ادراک پیچیدگی‌های آن بود. خالق باغ با اتکا به دانش تجربی خود فضایی را ایجاد می‌کرد که باعث بقاء و پویایی بستر طبیعی می‌شد.

در سال ۱۳۹۰ (۲۰۱۱ میلادی) در ۳۵امین نشست یونسکو روی هم رفته ۹ باغ ایرانی به عنوان میراث جهانی یونسکو پذیرفته شدند.

این باغ‌ها دربرگیرنده‌ی باغ‌های ایرانی پاسارگاد، ارم، چهل ستون، فین، عباس‌آباد، شازده، دولت‌آباد، پهلوان ‌پور، اکبریه می‌باشد.

عناصر در نیروهای بصری نیز به دو بخش تقسیم می شوند:

۱-بخش فیزیکی که به طور کاملا قابل لمس، قابل مشاهده هستند مانند: خط، سطح، رنگ، شکل، اندازه.

۲-بخش دوم بر توانایی هنرمند تکیه دارد و به کیفیت بصری نیز معروف است که،

حاصل هنرورزی یک هنرمند و استعداد و توانایی های شخصی وی در ترکیب این عناصر است مانند: تناسب، تعادل، هماهنگی، کنتراست که،

ن عوامل باعث ایجاد پایه های قوی در هنرهای تجسمی و اشکال می گردد.

هنر پنجم : هنرهای ادبی

ادبیات را می توان نماد تمام قد از ابعاد مختلف جامعه و فرهنگ گذشته و حال آن دانست.

ادبیات از دیرباز بهترین راه برای انتقال احساسات و ایجاد ارتباط با دیگر انسان ها بوده است،

از این رو انسان ها در طول تاریخ تصمیم می گیرند جلوه ای جدید به این رابطه باستانی بدهند.

در معنای لغوی کارشناسان حوزه ادبی جهان، ادبیات را “دانش فرهنگی” ترجمه کرده اند.

هنرهایی همچون نویسندگی، شعر، داستان، سفرنامه، فیلمنامه و بسیاری از مشتقات دیگر در این زمینه از هنر را می توان جزئی از هنر ادبیاتی نامید.

این هنر با تکیه بر روح یک شخص یا جامعه به تحریر می رسد و وظیفه بیان و انتقال این مفاهیم جسمانی و یا روحانی را با جلوه ای متنوع از آثار روزمره، عهده دار می باشد.

هنر ایرانی در ادبیات که در تاریخ جهان زبانزد عام و خاص است

ادبیات شاهنامه فردوسی ادبیات پارسی به ادبیاتی گفته می‌شود که به زبان فارسی نوشته شده باشد.

ادبیات فارسی تاریخی هزار و صد ساله دارد. شعر فارسی و نثر فارسی دو گونه اصلی در ادب فارسی هستند.

برخی کتابهای قدیمی در موضوعات غیرادبی مانند تاریخ، مناجات و علوم گوناگون نیز دارای ارزش ادبی هستند و با گذشت زمان در زمره آثار کلاسیک ادبیات فارسی قرار گرفته‌اند.

آوازه برخی شاعران و نویسندگان ایرانی از مرزهای ایران فراتر رفته ‌است.

شاعران و نویسندگانی نظیر فردوسی، سعدی، حافظ شیرازی، مولوی، عمر خیام و نظامی شهرتی جهانی دارند.

در میان چهره‌های شناخته شده ادبیات معاصر فارسی در جهان می‌توان به صادق هدایت در داستان و احمد شاملو در شعر اشاره کرد.

بنابر این ما می توانیم راه های رسیدن به این هنر را به سه دسته :

. هنر خوب حس کردن (به ویژه خوب دیدن و خوب شنیدن)

۲٫هنر خوب اندیشیدن

۳٫هنر خوب نوشتن

تقسیم کنیم که با ارکان همچون نحوه پیام رسانی می توان ترکیبی کامل برای ایجاد یک مفهوم را ایجاد نمود.

 

 

 

هنر ششم : هنرهای نمایشی

در گام مخاطبان قبل از ورود به این حوزه متوجه مشابهت هنر دوم و هنر ششم می شوند که باید گفت از جهاتی هم می توان این دو را مشابه دانست .

اما به طور کلی می توان، تنها وجه مشابه آنها را ارکان فیزیک در نمایش دانست.

هنرهایی همچون هنر تئاتر، اجرای نمایشنامه و داستان و شعر سرایی و همچنین مشتقات اینگونه از هنر را، هنر نمایشی دانست.

به طور کلی این هنر را به عواملی همچون نقش، تماشاگر، زمان اجرا، متن و محل نمایش و عواملی این دست وابسته دانست که،

ار یکدیگر به عنوان یک تلفیق مفهومی به ایفای نقش و یک داستان برای مخاطب بدل می شوند.

تئاتر در معنای لغوی به معنای “تماشاخانه” می باشد که، ریشه و مدل مدرن این نوع از مدرنیزاسیون هنری به سده های گذشته در قرون ۱۷ برمی گردد.

نمایش های زنده، نمایش های عروسکی، پانتومیم ها، نمایش های اپرا و آیینی و نمایش های از این دست را، می توان سرآغازی برای ایجاد یک تحول بزرگ در جامعه مدرن و هنری نامید.

کارشناسان در حوزه هنرهای نمایشی سرچشمه بوجود آمدن این چنین هنری را مناسک و فرهنگ های آیینی و همچنین داستان سرایی می دانند.

به گفته دانشمندان در این حوزه ” یکی از برجسته ترین خصوصیات در انسان ها برقراری ارتباط از طریق قصه ها و گوش کردن و به خاطر سپردن آنها و پند دادن و گرفتن در قالب آنها است”

معمولا آثار در این بخش به سه دسته کلی واقع گرا، ملی، مدرن تقسیم می شود، که هر کدوم به روایت اشخاص، فرهنگ ها، یا زوایای اخلاقی و غیر اخلاقی یک تفکر و یا سنت می پردازد.

هنر  ایرانی در  هنر های نمایشی نمایشی

تئاتر و یا نمایش در ایران، سابقه‌ای طولانی دارد. پس زمینه تئاتر در ایران به دوران باستان برمی‌گردد.

بعد تر سبک‌های ویژه نمایشی ایرانی مانند تعزیه، روحوضی، خیمه شب بازی  و سیاه بازی شکل گرفتند.

تئاتر مدرن در زمان قاجار یان پا گرفت. امروزه تئاتر در ایران بسیار پیشرو است.

دوران باستان

پس زمینه تئاتر در ایران به  دوران باستان (۶۴۱–۱۰۰۰ پیش از میلاد) برمی گردد.

شروع اولین تئاتر و پدیده‌های بازیگری  مردم این سرزمین را می‌توان در مراسم و تشریفاتی جستجو کرد که در آن‌ها به ستودن قهرمان‌های افسانه‌ای و ملی و تحقیر دشمن می‌پرداختند؛

که از این دست آثار می‌شود به سوگ سیاوش  و روایات نمایشی از تاریخ، داستان‌های اساطیری و عشقی که توسط هرودوت و گز فون گزارش شده اشاره کرد.

تعزیه

تئاترهای اولیه ایرانی پیوند عمیقی با واقعه کربلا و سایر وقایع و زندگی پیامبران دارد که عموماً تعزیه و تعزیه خوانی  نامیده می‌شود.

دوران قاجار

تئاتر جدید و مدرن اروپایی همچون بسیاری دیگر از مظاهر غربی در زمان  به ایران آمد.

ناصر الدین شاه  حکومت زمان خان، نوشته میرزا آقا تبریزی  از نخستین نمایش های مکتوب  مکتوب مربوط به قاجار یان است.

تا قبل از سفرهای سه‌گانهٔ ناصر الدین به اروپا تئاتر غیر تعزیه‌ای ایران تنها به یک سری نمایش‌های سبک کوچه بازاری خلاصه می‌شد.

روحوضی  و تقلید کاری نمونه‌ای از آن بود.

 

هنر هفتم : هنرهای سینما

سینما را باید نقطه عطف و تکامل تمامی هنر در کنار یکدیگر و تلفیق آنها دانست.

سینما که در معنای لغوی خود به معنای “حرکت” است، اما در اصطلاح مدرن آن به معنی ترکیب تصاویر متحرک و جان بخشیدن به داستان به وسیله این تصاویر برای درک بهتر آن برای تماشاگران است.

سینما سعی کرده تا با کار بر روی جنبه های مختلف زندگی بشری از واقع گرایانه تا فراواقع گرایانه به نقطه ثقلی در مضمون یک فهم کلی برسد.

به عبارت دیگر با دسته بندی سبک های مختلف سینمایی که آنها را با نام ژانر می توان شناخت، روحی تازه و روایاتی متفاوت را به تصویر می کشد.

این روایات یا طرز تفکرها می توانند از تاریخ تا هنر و از یک ایده سورئال تا یک فلسفه رئالیسم را دربرگیرند،

که این ایده به تصویر کشیدن بنا بر توانایی تولید کنندگان آن می تواند شامل جنبه های مختلفی از بکارگیری هنرهای ترکیبی در آن شود.

به نوعی باید اذعان نمود، سینما برای القای جنبه های مختلف و ارزش های مادی و غیرمادی، و همچنین نحوه ارتباط و برطرف سازی مشکلات و الگوهای زندگی، با نقشی پررنگ تر از قبل در زندگی ما ایفای نقش می کند.

درباره هنر هفتم در  هنر ایرانی می توان گفت

 

سینما نخستین دوربین فیلم‌برداری در زمان مظفر الدین‌ شاه به ایران آمد.

نخستین فیلم صدادار فارسی، فیلم دختر لر بود که در سال ۱۳۱۷ خورشیدی توسط عبدالحسین سپنتا ساخته شد.

ورود نخستین دستگاه سینما توگراف به ایران در سال ۱۲۷۹ هجری خورشیدی توسط مظفرالدین شاه سر آغازی برای سینمای ایران به حساب می‌آید،

هر چند ساخت اولین سالن سینمای عمومی تا سال ۱۲۹۱ اتفاق نیفتاد.

تا سال ۱۳۰۸ هیچ فیلم ایرانی ساخته نشد و اندک سینماهای تأسیس شده به نمایش فیلم‌های غربی که در مواردی زیرنویس فارسی داشتند می‌پرداختند.

نخستین فیلم بلند سینمایی ایران به نام «آبی و رابی» در سال ۱۳۰۸ توسط اوانس اوگانیانس، با فیلمبرداری خان بابا معتضدی ساخته شد.

 

از سایر آثار هنری در چکه ها دیدن نمایید.

(۲)

نگاهی به سبک  هنر «دودل آرت».

طراحی به سبک doodle یا احمقانه سبکی از طراحی است که در آن می توان افکار و احساست خود را به شکل انتزاعی نمایش داد.

طراح در این سبک  از هنر با استفاده از نقاشیها ساده می تواند معنای نمایشی پیوسته ای را بیان کند.

نگاهی به سبک «دودل آرت» | به گزارش آتلیه اثر هنر کلمه doodle در زبان انگلیسی از اوایل قرن ۱۷میلادی ظاهر شده و معنی آن چیزی شبیه به احمق یا ساده لوح بود.

این کلمه از زبان آلمانی و با کلمات doodle و dudel topf مشتق شده بود.

در این  سبک از طراحی در کودکان و به دلیل عدم هماهنگی دست و چشم و همچنین عدم تکامل ذهنی آنها بیشتر قابل ملاحظه است.

بسیاری از بزرگ‌ترها هم گاهی در جلسه‌های جدی کاری، همین ‌ کار را می‌کنند؛

کاری که نه بیش ‌تر نوجوان‌ها می‌دانند ممکن است نوعی آفرینش هنر به ‌شمار بیاید و نه بیش تر بزرگ‌ترها چنین تصوری درباره اش دارند.

به‌ خاطر همین، معمولاً سعی می‌کنیم معلم یا هر بزرگ‌تری مچ ما را در این حال نگیرد و نبیند که هنگام  صبحت‌ کردن و درس‌ دادن او، مشغول خط‌خطی ‌کردن کاغذ بوده‌ایم. اما این ‌کار با هنر پیوند محکم دارد،

همه‌ی ما تجربه خط خطی‌ های بی‌هدف را داشته‌ایم.

نقاشی‌هایی که بدون هدف و طرح مشخص، بر روی کاغذ ترسیم می‌کنیم.

وقتی در محل کار، وقت آزاد پیدا می‌شود یا وادار می‌شویم برای مدت طولانی پشت تلفن به حرف‌هایی که علا قه نداریم گوش بدهیم، خط‌خطی کردن کاغذ یا Doodling به سراغمان می‌آید.

در تعریفی که توسط زنده یاد احمدرضا دالوند نوشته شده است دودل اینگ به این صورت  تعریف شده  است :

دودل آرت چیست؟

نوعی تمرین خط خطی کردن است با پشتیبانی عقل و نه فقط شهود .فرد ابتدا به هر طریقی که می تواند باید تمرکز کند.

وقتی که آرام و متمرکز شدید، همچنانکه ایده ها و احساسات به ذهن شما می آیند،صرفا آنها را به صورت خط خطی روی یک برگ کاغذ سفید تخلیه کنید.

اگر حتی با کسی در مورد ایده خود گفتگو می کنید، حین گفتگو آن را روی یک برگ کاغذ سفید تمیز خط خطی کنید ….

همینطور که به گفت و شنود می پردازید، خط خطی کردن خود را ادامه دهید. مانع از روی کاغذ آوردن خط خطی های خود نشوید و آنها را تفسیر هم نکنید.

خط خطی کردن به دستان شما اجازه می دهد تا تکانه های ذهنی،شما را دنبال کنند.

بنابراین بهترین حالت هنگامی است که بتوانید به یک خلسه ملایم فرو روید و فارغ از ذهن هوشیار خود شوید.

در ادبیات، این کار را »نوشتن اتوماتیک« می نامند. تفاوت خط خطی کردن با نوشتن اتوماتیک این است که نوشتن اتوماتیک، بیشتر گرایش به تمرکز روی کلمات متوالی دارد.

در خط خطی کردن ما می خواهیم صرفا ذهن نا هوشیار را به یک شیوه خیالی به کار گیریم و تصاویری را که از ناخودآگاه به سطح می آیند، ثبت کنیم.

هنگامی که خط خطی کردنتان به پایان رسید، برای مدتی کاغذ را کنار بگذارید. هنگامیکه ذهنتان فارغ است و سر حال هستید به آنچه کشیده ید، نگاه بیندازید.

کمکم احساسات جدید یا ایده های نو از آن دریافت خواهید کرد.

حتی ممکن است ساختارهایی حقیقی در خط خطی های خود پیدا کنید که در این صورت احتمالا به طور ناخودآگاه راه حل مشکلتان را به صورت یک ساختار طراحی کرده ید .

در این مرحله خط خطی ها به  سبک هنر دودل آرت ارتقا پیدا می کنند.

وقتی  هنر دودل  به عادت روز مره تبدیل شود .

و از فرآیند گنگ و سرگشتگی خارج شود،گویی فرد نیز از سرگشتگی رها شده و کمتر دچار حالات روحی نامعلوم می شود.

کنترل بر روحیات و مدیریت بر روان شخصی، از ویژگیهای انسان آگاه دوران جدید است.

نکته بسیار مهم این است که در مرحله»خط خطی«، فرد تحت تاثیر ضمیر نا هوشیار است،

اما در سبک هنر دودل فرد با تسلط بیشتر بر خویشتن خویش، از منبع  ضمیر نا هوشیار به عنوان ماده خام بهره می گیرد.

به عبارت روشنتر، تفاوت خط خطی با دودل در این نکته است که در خط خطی فرد دچار امواج آزاد ذهنی می شود، اما در »دودل«قادر می شود امواج آزاد ذهنی را به مهار و کنترل خود در  آورد.

دودل راه حلی تصویری است که به هیچ تخصص و پیش زمینه آموزشی نیاز ندارد.

دودل ما را توانا می کند که در درون فرمهای اتفاقی، به ترکیب کردن، احساس کردن و تعمق کردن بپردازیم.

اگر این امکان وجود داشت که بتوان سابقه دودل را به موازات انسان ردیابی کرد، بی شک باید به خط خطی های انسان اولیه روی شن و ماسه یا خاک اندیشید.

که در گذر زمان ناپدید شده ند یا دودلی بیشمار از میلیونها انسان، کودک، پیر، جوان، شاد، غمگین، عاشق،منزوی، هنرمند، حسابدار، راننده و….

که اغلب بر تکه کاغذی نقاش بسته و یا مچاله شده و در سطل قرار گرفته و به هر نحوی از بین رفته است.

اما چند دهه است که در غرب،

روانشناسان خلاقیت این پدیده همه گیر را به عنوان منبع غنی احساسات بشری و راهی ارزان و ساده برای نقب زدن به درون ضمیر انسان مورد توجه قرار داده اند.

به طوری که امروزه دودل را فرآوری کرده و از آن محصولات تصویری خلق می کنند.

افراد ممکن است در میان خط خطی ها شان شاید به اعدادی هم برخورد کنند. اعداد چیزی بیش از واحد شمارش یا محاسبات در دنیای فیزیکی هستند.

در سنتهای باستانی، اعداد به عنوان اولین اصل اساسی نظم دهنده به جهان تلقی می شدند.

اعداد نماهای نیرومندی هستند، با مطالعه قدرت نمادین اعداد می توان به مفاهیم مثالی نهفته در هر عدد پی برد.

حتما بسیار دیده اید که برخی افراد، خط خطی کنهای فعالی هستند.

این افراد در هنگام صحبت کردن با تلفن، حضور در یک جلسه، سر کلاس، یا هر جای دیگر، مدام در حال خط خطی کردن هستند.

این خطوط می توانند اطلاعات مهم و اساسی را درباره چگونگی احساس فرد در آن لحظه و یا طبق گفته »یونگ«، تعارضهای احساسی پنهان یا احساسات بیان نشده او را آشکار کند.

جالب است

که در حقیقت هیچکس غیر از خودمان نمی تواند خطوطی را که ما ترسیم کردهایم، تفسیر کند.

با وجود اینکه به نظر می رسد برخی نمادهای معین، کاربرد جهانی در ژرفنای نا هوشیار مشترک ما دارند؛ ولی چگونگی تفسیر این اشکال در زندگی شخصی هر کسی برای او منحصر به فرد است.

گفتنی است که ذهن نا هوشیارتان همواره در تلاش برای ارتباط برقرار کردن با شما ست،

اما برخی عادات یا الگوهای فکری و نیز جزئیات  بیا همت دنیای مادی این راه را مسدود می کنند.

دودل ابتدا تحت سیطره  عمل شده تا فرد بتواند در مهار این نیروی کور و غریزی دخالت کند.

در این فرآیند است که به تفکر مرتبط دست پیدا می کنیم. دودلینگ، نوعی خودشناسی است،

اما طی سال‌های اخیر، طراحی‌های دودل فراتر از خط‌خطی ‌های زشت و بی‌هدف شده و به عنوان یک سبک  هنری طراحی، مورد توجه قرار گرفته است.

سم کا کس (Sam Cox) دوست دارد آقای دودل (Mr.Doodle) صدایش کنند.

طرح‌هایش  هنری ش را در کف خیابان‌ها، دیوار خانه‌ها، اشیاء منزل، لباس و هر جای دیگری که فضایی بیابد ترسیم می‌کند.

او از سراسر دنیا دعوت می‌شود تا در ایجاد زیبایی بصری در نمایشگاه‌ها و فضاهای عمومی نقش ایفا کند.

سم کاکس که در دانشگاه بریستول و در رشته‌ی طراحی تحصیل کرده است، این روزها تمام وقت خود را به طرح‌های دودل اختصاص می‌دهد.

متوسط ساعات کار روزانه‌اش ۱۵ – ۱۶ ساعت است و کمتر کسی است که به این سبک طراحی علاقه‌مند باشد و او را نشناسد.

نمونه دیگری از نقاشی ها doodle نیز معمولا در هنگام تماس های تلفنی طولانی مدت بر روی تکه کاغذ های دم دست یا دفترچه تلفن خلق می شود

.اگر می خواهید در سبک  هنری نقاشی doodle مهارت کسب کنید، باید خودتان را آماده کنید که در هر مکانی نقاشی کنید.

همیشه سعی کنید یک دفترچه یادداشت به همراه تعدادی ابزار دیگر با خود داشته باشید.

ابزار مورد نیاز

ابزار ساده
• خودکار
• روان نویس
• ماژیک شبرنگ
• ماژیک
ابزار هنری:
• ذغال چوب
• گچ
• خودکارهای رنگی
• رنگ
• پاستل

 

تابلو دکوگرافی داژوو پتینه چوب نقش برجسته ابعاد ۱۴۰*۴۰
هنر چیست؟ و آیا می‌توان خطی از هنر سنتی تا هنر مدرن رسم کرد؟
سرویس پذیرایی چوبی سنتی پتینه چوب دکوپاژ
جعبه کادویی پتینه چوب دکوپاژ برجسته+ ابعاد:۱۵*۱۵

از سایر آثار هنری در چکه ها دیدن نمایید

(۱۵)

با افتخار اعلام میکنیم که خانم سارا ارجمند هنرمند خوب کشورمان با آثار شگفت انگیز خود در نمایشگاه نقاشی چکه ها حضور خواهند داشت و همگان متحیر از توانمندی های ایشان خواهیم شد

سارا ارجمند نقاشی و طراحی را از استاد سرکار خانم مهربان و جناب آقای اسماعیل قائدی در اصفهان آموخته است و این هنرمند کارشناس ارشد کامپیوتر و مدرس رشد شخصی و موفقیت می باشند و نقاشی و طراحی را از سال ۸۹ شروع به آموختن کردند و ادامه دادند. نمایشگاه انفرادی اسماء الحسنی (به نام او) در تهران در گالری خانه عکاسان جوان برگزار نموده اند و در نمایشگاه های گروهی در اصفهان نیز شرکت نموده اند.

(۰)

مهسا مرادی یکی از هنرمندان جوان گروه چکه هاست. هنر زیبای او زیبایی های خاصی دارد. میتوان نقش او را نقش دل نامید و دقت او را چون ماشین! زمانی که کارهای مهسا را نگاه میکنید، بی شک به توازن و تقارن موجود در طبیعت بیشتر باور پیدا میکند. چه نظم هایی که کارهای منظم او به هم زده است! همه چیز در تابلوی مهسا فراتر از انتظار است. انگاری ابعاد تابلو برایش کوچک است و میخواهد بیشتر باشد. بیشتر، به اندازه ی آسمان… یا شاید آسمان هم …

مهسا مرادی
متولد ۱۳۸۳ تهران
نام پدر : علیرضا
محصل در رشته ی انیمیشن
ایمیل : mahsamoradi6525@gmail.com

سوابق کاری :
دستیار عکاس در عکاسی نمونه به مدت یک ماه
نقاش طراح و مدرس دودلی آرت و ماندالا
در کشور ما انیمیشن فضای خالی زیادی داره و من دوست دارم و همه سعیم رو میکنم تا بتونم این فضا های خالی رو به کمک دوستان هنرمندم پر کنم تا ایران در این رشته بیشتر بدرخشه و من تا حدی تاثیر گذار باشم که در آخر بتونم به خودم افتخار کنم …

مهسا مرادی

(۰)

ما به همراهی دوستان عزیزمان افتخار میکنیم. دست به دست هم داده ایم تا مسیری برای پیشرفت کودکان کار باشیم. اعظم متقی یکی از ما چند نفر است. یک نیروی جوان و شاد و پر انرژی. در ادامه با او بیشتر آشنا میشویم

رزومه کاری
اعظم متقی باغخیراتی
متولد سبزوار
مدرک تحصیلی : کاردانی معماری
azam.motaghi1082@gmail.com: ایمیل
۰۲۱۶۶۶۴۷۹۴۰
۰۹۳۵۶۳۳۱۰۵۰

سوابق کاری :
-۱ شرکت ساختمانی ماهان
-۲ شرکت بازرگانی سیمان برازندگان
-۳ داروخانه دکتر ایزدخواه به مدت
-۴ بیمارستان امام خمینی تهران
-۵ دفتر پیشخوان دولت
-۶ شرکت ژرف کوش آفرین (درمالیفت )

تخصصها :
تایپ نامه اداری ، office – آشنا به کامپیوتر
– دوره آموزشی اتو کد ، تری دی مکس
– دوره مشاوره پوست و آشنایی کامل با لوازم آرایشی بهداشتی و انواع پوست.
طی کردن دوره مشاوره تخصصی پوست زیر نظر کارشناسان مجرب و اشنایی کامل با مراحل درمان پوست اسیب دیده که ملزوم اشنایی کامل با
محصولات ارایشی بهداشتی میباشد
– دوره کمک پرستاری و اخذ مدرک مربوطه
– فروش محصولات آرایشی بهداشتی و مشاوره در زمینه انواع پوست و راهنمایی های تخصصی
– اینجانب اعظم متقی با مسئولیت پذیری تمام ، امیدوارم بتوانم در راستای پیشرفت چکه ها موثر بوده و قدم مثبتی در راستای تحقق رسالت گروه بردارم .
با تشکر
اعظم متقی

(۰)

داشتن یک تیم ایده آل برای برگزاری قدرتمندتر برنامه ها، یک نعمت است. خوشحالیم که بانو سعیده متقی در برقراری ارتباطات میان سازمان و خیریه ها، همکار گرامی ما هستند. در ادامه با ایشان بیشتر آشنا شویم

سعیده متقی دارای مدرک تحصیلی کارشناسی ادبیات؛ هدفم در زندگی ارتقاء شغلی و کسب درامد و کار آفرینی و پیشبرد هدف های کوچک و به ثمر رساندن آن ها برای رسیدن به هدف عالی می باشد که البته برای هر کسی هدف عالی رسیدن به درجه ای از خودشناسی و بی نیازی مالی می باشد و بنده نه از بعد مالی که این آموزش ها را از بعد خودشناسی در نظر گرفته و در جهت ارتقاء کیفیت درونی خود پا به این عرصه گذاشته ام

به دنبال کار آفرینی برای زنان خانه داری هستم که تمایل به کار و درآمد زایی دارند ولی علم و آموزش و جرات این کار را ندارند. بنده به عنوان یک زن که در این جامعه زندگی می کنم. به دنبال ایجاد جایگاه مناسب برای هم نوعان خود و شکل دادن به شخصیت و چهره واقعی زنان هستم و میدانم برای رسیدن به همچین هدفی نه تنها تلاش بلکه پشتکار فراوان نیاز است و با کسب اطلاعات و آموزش های لازم از اساتید خود، هم از نظر کیفی رشد می کنم و هم از نظر روحی خود را ارتقا می دهم. امیدوارم با کار آفرینی برای همنوعان خود و زنان سرپرست خانوار بتوانم بار کوچکی از دوش عزیزان برداشته و خنده را بر لبان خشکیده آنها بنشانم…

(۰)

علیرضا مرادی

باعث دلگرمی و افتخار ما است که آقای علیرضا مرادی با سابقه ی درخشان در زمینه فروش، مسئولیت مهم چکه ها و نغمه ها را عهده دار هستند. در ادامه با ایشان بیشتر آشنا می شویم. علیرضا مرادی دارای مدرک تحصیلی کارشناسی در رشته حسابداری ، ازسال ۱۳۸۰ در زمینه فروش در شرکت های مختلف فعالیت داشته و تا به امروز در همین عرصه به فعالیت خود ادامه داده است.

هدف اصلی ایشان شرکت در تحقیق و گسترش بستر مناسب در روابط اجتماعی و ایجاد همبستگی در گروه های مختلف جامعه و نظم و ترتیب داخلی سازمان ، به هدفی والاتر و ارزشمند تر که در راستای کمک به نیازمندان مخصوصا کودکان می باشد قدم نهاده و برای ساختن آینده ای برای کودکان استثمار شده و مورد ظلم قرار گرفته ضمن کمک به این عزیزان با همراهی در گروه چکه ها که دوستان قدرتمندی دور هم جمع شده اند و آموزش حتی به خانواده های این عزیزان در زمینه های مختلف فکری و مهارتی ارائه داده تا در آینده ای نه چندان دور کودکی مورد ظلم قرار نگیرد ، هدف اصلی ما ساخت زیر ساخت ها و فرهنگ سازی غنی برای حذف ظلم علیه کودکان می باشد . این هدف والای ما در مجموعه چکه ها و نغمه ها می باشد .

به امید روز های روشن برای کودکانی که تاریکی هدیه هر روزشان بوده و ما با روشنایی هدفمندشان می کنیم ……..

جلال رمضانی مسئول پشتیبانی

(۰)

زینب مرادی

نقاشیخط یک عرصه ی بی نظیر در هنر است. شاهکار رنگ ها و قلم و ادبیات و خط کهن پارسی، خواسته های ما را از هنر اصیل ایرانی عینا به رخ مخاطب میکشد. در این میان، چه جوانانی که سودای زنده داشت هنر پارسی را دارند که زینب مرادی یکی از همین جوانان است. او با کسب تجربه و آموزش لازم در ۷ سال گذشته، حرف های زیادی در نقاشیخط دارد. به گونه ای که جدیدترین نمایشگاه او در بزرگترین گالری ایرن، بزودی افتتاح میگردد

زینب مرادی
۶۶/۵/ متولد: ۳
تحصیلات : لیسانس اللهیات – دانشگاه تهران
استاد : عظیم فلاح
سبک فعالیت :نقاشیخط ، خوشنویسی
به مدت: ۷ سال

سوابق حرفه ای:

الف . نمایشگاه انفرادی
-۱ نمایشگاه خط صبر “فرهنگسرای افتاب “. مهر ۵۵
-۲ نمایشگاه خط و رنگ ” فرهنگسرای امید” دی ۵۵
-۳ نمایشگاه مهر زرین” فرهنگسرای خاوران” فروردین ۵۶
-۴ نمایشگاه صبرسبز ” فرهنگسرای خاوران” اذ ۵۶
-۵ نمایشگاه نقاشیخط “گالری مترو بهشتی” اردیبهشت ۵۹
ب. نمایشگاه گروهی
-۱ نمایشگاه رندان تشنه لب – رواق هنری
برج میلاد ابان ۵۴
-۲ نمایشگاه دختران افتاب –فرهنگسرای خاوران –خرداد ۵۴
-۳ نمایشگاه ارادت قلم – برج میلاد – ابان ۵۵
-۴ نمایشگاه گروهی – فرهنگسرای بهمن – مهر ۵۳
-۵ نمایشگاه نقاشیخط – فرهنگسرای خاوران –تیر ۵۴
-۶ نمایشگاه بعد از تو – دانشگاه تهران – مهر ۵۴
-۹ نمایشگاه نقش ومشق – فرهنگسرای خاوران – اذز ۵۵
-۸ نمایشگاه شاگردان – فرهنگسرای خاوران – ابان ۵۹
-۵ نمایشگاه دختران خیابان انقلاب –موزه هنر های فلسطین – اسفند ۵۹
-۱۱ نمایشگاه غروب جمعه – فرهنگسرای گلستان – فروردین ۵۸
ج. جشنواره
-۱ برگزیده جشنواره تسنیم – سال ۵۴
-۲ برگزیده جشنواره شمسه – سال ۵۳ و ۵۴
-۳ برگزیده جشنواره نقش و مشق – اذر ۵۵
د. ورک شاپها
-۱ خیمه گاه نور – فرهنگسرای گلستان- ابان ۵۹
-۲ برنامه چشم روشنی – شبکه قران – فروردین ۵۵
-۳ کارگاه نقاشیخط – فرهنگسرای افتاب –مهر ۵۵
-۴ ورک شاپ سالروز ولادت حضرت علی )ع(
-۵ ورک شاپ ۲۲ بهمن سال ۵۴ و ۱۳۵۹
ح. تدریس در دانشگاه تهران و سرای محله

پروپوزال گروه چکه ها و نغمه ها

(۰)